Figura de oro de Bali de Brahma

Figura de oro de Bali de Brahma

Periodo: 900 dC a 1300 dC

Dimensiones: 9.5 ″ (24.1cm) de alto x 4.5 ″ (11.4cm) de ancho

Medio: Oro

Origen: Indonesia

Esta asombrosa escultura de oro es una representación de Brahma. Es la forma física del dios hindú de la creación, cuyo consorte es Saraswati, la diosa del aprendizaje y la educación. Nació sin la intervención de una madre, y es uno de la trinidad de dioses (los otros son Shiva y Vishnu) que forman el "Trimurti". Se dice que la mente de Brahma dio origen a siete sabios, quienes lo ayudaron en su creación del universo. Habiendo hecho esto, también creó once individuos que a su vez fueron los padres de toda la raza humana. Sus deberes como dios creador son limitados, aunque a veces intervino en las actividades de las deidades menores. Él simboliza a Maya (o Praktri) - la esencia de la energía femenina. Su vida útil es de 311 billones de años humanos, momento en el que habrá una brecha de 311 billones de años, luego se repetirá el ciclo. Aunque es extremadamente poderoso, no es tan adorado como los otros miembros de los Trimurti. Las figuras de Brahma son, por lo tanto, menos comunes que las de Vishnu y Shiva. Las cifras de oro son particularmente infrecuentes, y solo los devotos excepcionalmente ricos podrían pagar un artículo tan principesco. Es probable que esta pieza alguna vez perteneció a una familia aristocrática con fines de culto privado, o tal vez haya sido donada a algún centro religioso importante. Es importante señalar que la cifra es balinesa, ya que el hinduismo balinés difiere significativamente de la de otros países en el sudeste asiático. Esto es atribuible a la persistencia de creencias y mitos locales que se han integrado en la fe hindú estándar. Por lo tanto, es probable que las inconsistencias estilísticas en la morfología de esta figura sean atribuibles a esta especialización regionalizada. La pieza está bellamente moldeada en oro, mostrando las imágenes de Brahma con cuatro caras, unidas a los cuatro Vedas. Inusualmente, tiene 8 brazos, a diferencia del estándar 4 que caracteriza la mayoría de las representaciones de la deidad. En sus manos sostiene un cetro, un mosquetón, una vasija ungüenta, un pergamino, una cadena de cuentas y otro objeto no identificado; Al menos dos de las manos se cruzan bajo el ombligo. Los detalles de la corona adornada, la ropa y las joyas son asombrosas en su complejidad y la calidad de su ejecución. Los pliegues de la tela y las características anatómicas son más naturalistas de lo que suele ser el caso de tales esculturas, transmitiendo un sentido sereno y bien sintonizado de estabilidad escultórica. La pieza está montada sobre una base integral, y constituye una oportunidad única para obtener una verdadera obra maestra de la tradición religiosa hindú.

Cabeza de piedra de Buda Dinastía Song

Dinastía Song: Cabeza de piedra de Buda.

Periodo; 960 dC a 1279 dC

Dimensiones: 10 ″ (25.4cm) de alto x 6.75 ″ (17.1cm) de ancho

Medio: Piedra

Origen: China

Después del colapso de la Dinastía Tang (906 dC), hubo una sucesión de gobiernos de corta duración (conocidos como las Cinco Dinastías). Este período de disturbios llegó a su fin con el establecimiento de la Dinastía Song del Norte en 960 dC. La renovada estabilidad política ayudó a iniciar un período de prosperidad económica y un aumento masivo de la población. Entre los muchos logros culturales de la Dinastía Song, la revitalización del sistema de examen y la invención de los tipos móviles son altamente calificados. Intelectualmente, el mayor logro fue el desarrollo del neoconfucianismo, un movimiento filosófico muy influenciado por las enseñanzas budistas. Aunque el budismo había llegado a China desde la India durante la dinastía Han, la nueva fe tardó en progresar. Esto fue en parte porque tenía que competir con las ideologías nativas, es decir, el confucianismo y el taoísmo. Sin embargo, era posible encontrar un terreno común entre estos sistemas de creencias y el budismo de la dinastía Tang estaba experimentando una edad de oro en China.

Este jefe de Buda es un ejemplo exquisito de la tendencia hacia representaciones simplistas de imágenes budistas como resultado de la expansión de las enseñanzas de la escuela Chan durante el período Sung. La cara es redondeada y tallada con una sensación de fluidez, ya que las expresiones faciales transmiten la sensación de felicidad y serenidad de la iluminación. Los labios de la boca se vuelven hacia arriba, dando la impresión de un "Buda sonriente", y los ojos están medio cerrados en meditación, acentuando la trascendencia del Buda de todos los estados de existencia. Las cejas elegantemente arqueadas y la nariz delicadamente esculpida crean una línea fluida que se extiende más allá de las dos esquinas de la boca hasta el área indefinida de la barbilla, dando a la cara una sensación bastante flexible. El cabello se enrosca en rizos apretados incisos con espirales formando un usnisa, una hinchazón en la parte superior de la cabeza que significa el Buda ' s la iluminación. Aunque la hinchazón generalmente está cubierta de pelo, en esta imagen está desnuda, sobresaliendo audazmente de la parte superior de la cabeza. El lóbulo de la oreja del colgante se curva hacia arriba en las puntas, sin adornos y redondeado. La escultura budista del período Sung se caracteriza por el sentimentalismo, expresado a través de la gracia y los refinamientos femeninos de los rasgos. Esta escultura captura los sentimientos artísticos y espirituales de la época.

Escultura en madera lacada ming de guanyin

 Escultura en madera lacada ming de guanyin  

1368 dC a 1644 dC

 Madera

 China

Los bodhisattvas son seres iluminados que han desviado la entrada al paraíso para ayudar a otros a alcanzar la iluminación. Hay muchos Bodhisattvas diferentes, pero el más famoso en China es Avalokitesvara, conocido en chino como Guanyin. Las primeras representaciones de Bodhisattva Avalokitesvara demuestran características masculinas, pero esta tradición posteriormente se volvió menos rígida. Al final de la dinastía Yuan (1367/8 d. C.), la mayoría de estas figuras fueron representadas como mujeres jóvenes, que a menudo portaban un jarrón de agua bendita para limpiar las almas de aquellas personas a quienes debía proteger. Según la leyenda, Guanyin nació el diecinueve del segundo mes lunar, logró la iluminación el diecinueve del sexto mes lunar y logró el nirvana el diecinueve del noveno mes lunar. Se dice que él / ella es el Bodhisattva superior al lado del Buda Shakyamuni, y un asistente Bodhisattva junto a Amitabha Buddha en el mundo occidental de Ultimate Bliss. Se cree que cualquier ser sensible que recite su nombre durante un desastre sería escuchado y salvado, lo que puede explicar por qué es tan importante para el budismo chino. "Guanyin" significa literalmente "observar los sonidos", que se refiere a la creencia de que Guanyin observaría todos los sonidos en el mundo, particularmente escuchando las peticiones de los fieles. La dinastía M'ing fue una de las más importantes en la larga historia de China. Vio la caída del imperio mongol Y'uan bajo Hong Wu, el tercero de los tres únicos campesinos que se convirtieron en emperadores en China. El líder de la revuelta de los campesinos que marcó el comienzo de la dinastía M'ing, Hong Wu fue un dictador extremadamente brutal y despiadado. cuyo credo era uno de rabioso neoconfucianismo combinado con un sentido militarista del destino y la organización de China. El único aspecto del aprendizaje de Confucio que ignoró fue el de declarar que las instituciones militares eran inferiores a las élites intelectuales, y que las primeras deberían estar bajo la esclavitud de estas últimas. Por lo tanto, se gastó mucho en expandir el ejército, consolidar las defensas contra los ataques de los mongoles y los grupos vecinos, y en la arquitectura defensiva principal, en particular la Gran Muralla. La economía también quedó bajo escrutinio. Quizás reflejando los humildes orígenes de Hong Wu, la economía llegó a enfatizar la agricultura sobre el comercio (que el confucianismo consideraba vulgar y parasitario), y ofrecía salvaguardias para los campesinos. Los resultados negativos incluyeron una enorme inflación y la devaluación del dinero y el malestar social resultante. Sin embargo, este período también experimentó enormes avances culturales, incluido el desarrollo de la novela, la introducción de la cerámica azul / blanca de duotono y una plétora de desarrollos artísticos y religiosos que está perfectamente encarnado por la escultura actual. Esta escultura de un Guanyin se posa inusualmente, casi descansa sobre el brazo izquierdo contra un asiento bajo mientras descansa casualmente el brazo derecho sobre la rodilla derecha. La pierna izquierda se presiona hacia abajo, paralela al piso. Esto contrasta con la altanera expresión facial y el regio de la parte superior del cuerpo. El Guanyin está vestido con túnicas largas y sueltas que cuelgan en pliegues por debajo del nivel de la base de la figura, así como una prenda adicional (posiblemente un dhoti) atada alrededor de la cintura. Las manos sobresalen lánguidamente de las mangas largas y están dispuestas en posiciones meditativas. La figura también lleva un collar adornado. La cara está exquisitamente tallada y transmite una expresión decididamente aristocrática, con los ojos medio cerrados debajo de las cejas elevadas, una boca pequeña y fruncida y las mejillas redondeadas. Este efecto se ve realzado por el cabello enrollado adornado alrededor de la parte superior de la frente y hasta los hombros, y la alta corona decorada de forma extravagante con motivos florales y otros motivos orgánicos que casi duplica la altura total de la cabeza. Esta es una pieza de arte antiguo muy impresionante e impresionante. Corona decorada de forma extravagante con motivos florales y otros motivos orgánicos que casi duplica la altura total de la cabeza. Esta es una pieza de arte antiguo muy impresionante e impresionante. Corona decorada de forma extravagante con motivos florales y otros motivos orgánicos que casi duplica la altura total de la cabeza. Esta es una pieza de arte antiguo muy impresionante e impresionante.

Tang Terracotta Camel Y Rider Extraíble

Tang Terracotta Camel Y Rider Extraíble Hacia Siglo VII a VIII siglo d. Dimensiones 24 ″ (61.0cm) de alto x 19 ″ (48.3cm) de ancho Medio Terracota Origen China

Sátiro tocando la flauta; cultura romana, siglo I-II d.C.

Sátiro tocando la flauta; cultura romana, siglo I-II d.C. 
Mármol. 
Procedencia: Colección particular, Alemania, adquirido a comienzos de la década de 1970.
Obra referenciada en “Puerta de los Dioses”. J. Bagot Arqueología, Barcelona, 2016, fig. 50 y “Lord of Truth”, J. Bagot Arqueología, Barcelona, 2017, fig. 43.
Medidas: 53 cm (altura).
La escultura muestra el torso de un hombre joven desnudo, tan sólo ataviado con la piel de una cabra. Esta se encuentra anudada en el hombro derecho, mediante las dos patas traseras, que se descuelgan, una por la zona del pecho y la otra por la espalda. El resto de esta piel, a modo de capa, medio cubre el hombro izquierdo y desciende por este mismo brazo, ocultando parte del torso. Debajo del codo puede observarse la cabeza del rumiante. Esta indumentaria, o el hecho de portar la piel, permite atribuir la escultura a la imagen de un sátiro. Constata esta teoría la pequeña y rizada cola que puede verse esculpida al final de la espalda. Debido al estudio comparativo con otras piezas (a continuación referenciadas) el ser estaría apoyado sobre una columna ataviado con una piel de cabra tocando la flauta. 
Formalmente la figura destaca por una novedosa posición, presentando un “contrapposto” en el que el cuerpo recae sobre la pierna izquierda, dejando la pierna derecha flexionada levemente. El resultado, una escultura naturalista que presenta un discreto dinamismo, proporcionando cierto movimiento, el contribuye a romper la ley de la frontalidad. 
A partir de un estudio de distintas tipologías de sátiros como el que se presenta, puede presentarse un parentesco muy llamativo entre la presente obra y la copia romana, de un original griego, conservado en el Museo del Louvre, perteneciente a la famosa colección Borghese; asimismo, dicha similitud puede relacionarse con otra copia del Museo Nacional Romano, en Italia. Las tres piezas presentan similitudes en cuanto a la posición de las piernas y brazos: si bien la pieza que presentamos ha perdido piernas y brazos, con mucha seguridad presentaría el brazo izquierdo con el codo flexionado hacia arriba, más pegado al cuerpo y los ropajes, y el antebrazo derecho puede pensarse que estaría estirado hacia delante o flexionado también hacia arriba, hacia su rostro. A través de las obras mencionadas, la posición de los brazos sería la descrita, pues vendría marcada por la sujeción con las manos de una flauta. La única diferencia compositiva entre las tres esculturas es la posición de la piel del animal. 
Relacionados con las Ménades, los sátiros forman el «cortejo dionisíaco» que acompaña al dios Dioniso. Se les representa de varias formas; la más común (y básicamente romana) es la de una criatura mitad hombre mitad carnero, con orejas puntiagudas y cuernos en la cabeza, abundante cabellera, una nariz chata, cola de cabra y un priapismo permanente. Según algunas versiones del mito, habrían sido ellos los padres de los sátiros (de los que entonces sería Sileno su abuelo). Los tres estuvieron en el séquito de Dioniso cuando éste viajó a la India y, de hecho, Astreo era el conductor de su carro.

San Jordi SALVADOR DALÍ

SALVADOR DALÍ I DOMÈNECH (Figueras, Gerona, 1904 – 1989).

“San Jordi”, 1976.

Escultura en bronce sobre peana de hierro, ejemplar S.W. E/A I. Pieza única.

Firmada y fechada.

Medidas: 154 x 116 x 80 cm; 230 x 130 x 105 cm (peana).

Adjunta certificado de autenticidad emitido por Kyle Capital Corp A.V.V.

Durante más de treinta años, especialmente entre 1947 y 1985, el tema de San Jorge y el dragón fue una constante en la producción artística de Dalí. Gran admirador de la obra de Rafael durante sus estancias en Paris y Florencia, Dalí estudió y memorizó el San Jorge del Louvre y los magníficos dibujos preparatorios que se conservan en la Gallería Uffizi de la capital toscana. Esta influencia del genio italiano se puede ver claramente en su primer “San Jorge con el dragón”, un grabado realizado en 1947 a petición del Princt Club of Cleveland. Para la ejecución de esta, Dalí contó con la participación de su amigo Stanley William Hayter, uno de los mejores grabadores de la última centuria. Respecto a dicho tema, el maestro de Figueras eligió la primera parte del combate para este grabado, cuando San Jorge hirió al dragón con un golpe de lanza que se rompe. La escultura que presentamos continúa las bases instauradas por dicho primer grabado, volcándola al bronce en una composición que refleja el carácter valiente y osado del Santo. Dalí representó una escultura tremendamente enérgica y dinámica, cuyas formas fluidas aluden al carácter sinuoso, blando y surrealista de las obras del gran maestro catalán.

Durante sus primeros años, Dalí descubre la pintura contemporánea durante una visita familiar a Cadaqués, donde conoce a la familia de Ramón Pichot, artista que viajaba regularmente a París. Siguiendo los consejos de Pichot, Dalí empieza a estudiar pintura con Juan Núñez. En 1922, Dalí se alojó en la célebre Residencia de Estudiantes de Madrid para iniciar estudios de Bellas Artes en la Academia de San Fernando. Sin embargo, antes de sus exámenes finales, en 1926, fue expulsado por afirmar que no había nadie en la misma en condiciones de examinarle. Ese mismo año Dalí viaja a París por primera vez. Allí conoció a Picasso, y asentó algunas características formales que se convertirían en distintivas de toda su obra desde entonces. Su lenguaje absorbía las influencias de muchos estilos artísticos, desde el academicismo clásico a las vanguardias más rompedoras. En aquella época, el pintor se dejó crecer un vistoso mostacho que imitaba al de Velázquez, que se convertiría en su sello personal el resto de su vida. En 1929, Dalí colaboró con Luis Buñuel en la realización de “Un perro andaluz”, en el que se mostraban escenas propias del imaginario surrealista. En agosto de ese mismo año conoció a su musa y futura esposa Gala. Durante este periodo, Dalí celebró exposiciones regulares tanto en Barcelona como en París, y se unió al grupo surrealista afincado en el barrio parisino de Montparnasse. Su trabajo influyó enormemente en el rumbo del surrealismo durante los dos años siguientes, siendo aclamado como creador del método paranoico-crítico que, según se decía, ayudaba a acceder al subconsciente liberando energías artísticas creadoras. El pintor desembarcó en América en 1934, gracias al marchante Julian Levy. A raíz de su primera exposición individual en Nueva York su proyección internacional queda definitivamente consolidada, y desde entonces mostrará su obra y dará conferencias por todo el mundo. La mayor parte de su producción está reunida en el Teatro-Museo Dalí de Figueras, seguida por la colección del Salvador Dalí Museum de St. Petersbug (Florida), el Reina Sofía de Madrid, la Salvador Dalí Gallery de Pacific Palisades (California), el Espace Dalí de Montmartre (París) o el Dalí Universe de Londres.

Elefante espacial SALVADOR DALÍ

SALVADOR DALÍ I DOMÈNECH (Figueras, Gerona, 1904 – 1989).

“Elefante espacial”, 1980.

Escultura en bronce patinado y cristal, ejemplar 283/350.

Técnica original a la cera perdida.

Catalogado en "Dalí, The Hard and the Soft, Sculptures & Objects", Eccart, 2004. pg. 244.

Firmada y justificada en la montura.

Medidas: 94 x 43 x 14 cm.

En los años cuarenta Dalí empezó a incorporar en su particular universo iconográfico el elefante con largas patas de insecto. Jugaba así con los atributos dados por el folclore oriental al animal (firmeza, pureza, sabiduría y longevidad como emblema de inmortalidad), sumándole una larga trompa y estilizadas extremidades que lo asocian a la levitación y a la quiebra potencial de la firmeza. En esta escultura, se recupera la figura del elefante portando un obelisco tal como aparecía en su pintura "La tentación de San Antonio". El obelisco funciona aquí como símbolo del progreso tecnológico confrontado con la sabiduría primigenia. En el elefante espacial se expresan las paradojas dalinianas que tanto gustaron a este genio, buscando polaridades entre la idea de ingravidez y la robustez del animal, lo etéreo y lo eterno. Dalí se inspiró en la novela "El sueño de Polífilo" (s.XV), que a su vez usó Bernini en su "Elefante de Minerva" (1667), recogiendo y actualizando con ella una larga tradición.

Durante sus primeros años, Dalí descubre la pintura contemporánea durante una visita familiar a Cadaqués, donde conoce a la familia de Ramón Pichot, artista que viajaba regularmente a París. Siguiendo los consejos de Pichot, Dalí empieza a estudiar pintura con Juan Núñez. En 1922, Dalí se alojó en la célebre Residencia de Estudiantes de Madrid para iniciar estudios de Bellas Artes en la Academia de San Fernando. Sin embargo, antes de sus exámenes finales, en 1926, fue expulsado por afirmar que no había nadie en la misma en condiciones de examinarle. Ese mismo año Dalí viaja a París por primera vez. Allí conoció a Picasso, y asentó algunas características formales que se convertirían en distintivas de toda su obra desde entonces. Durante este periodo, Dalí celebró exposiciones regulares tanto en Barcelona como en París, y se unió al grupo surrealista afincado en el barrio parisino de Montparnasse. El pintor desembarcó en América en 1934, gracias al marchante Julian Levy. A raíz de su primera exposición individual en Nueva York su proyección internacional queda definitivamente consolidada, y desde entonces mostrará su obra y dará conferencias por todo el mundo. La mayor parte de su producción está reunida en el Teatro-Museo Dalí de Figueras, seguida por la colección del Salvador Dalí Museum de St. Petersbug (Florida), el Reina Sofía de Madrid, la Salvador Dalí Gallery de Pacific Palisades (California), el Espace Dalí de Montmartre (París) o el Dalí Universe de Londres

paisaje Bergholz

Richard Alexandrovich Bergholz (1865-1920) 

Bosque. 1890

Papel, acuarela. 50 × 67

Vaso votivo Dinastía Han

Dinastía Han, 206 a.C - III d.C.
Cerámica.
Adjunta certificado de termoluminiscencia de Oxford.
Medidas: 23,5 x 12 cm.
Vaso votivo que adopta la forma de un búho de líneas sintéticas y esquematizadas, en cierto modo tendente a la abstracción. Lo que demuestra el interés del autor en captación simbólica del mismo. La dinastía Han gobernó China entre el 206 a.C. y el 220 d.C., más de cuatro siglos durante los cuales se consolidan las estructuras políticas, sociales y económicas de China, lo que llevará al país a la etapa más gloriosa de su historia. Respecto al arte de este momento, sigue siendo eminentemente funerario, si bien refleja el altísimo nivel artístico que se alcanzará tanto en las capitales como en provincias. Estos objetos conservados nos aportan información sobre la vida cotidiana y las costumbres de la época, dado que el arte se vuelve mucho más mundano que los bronces de las épocas Zhou y Shang. También se cambian las estructuras de las tumbas: las Shang eran verticales, mientras que las Han se construirán a modo de palacios subterráneos. Se decoraban con relieves estampados con escenas de la vida del difunto, y se incorpora un nuevo material como soporte artístico, la laca. Sin embargo, lo más famoso actualmente es la producción cerámica Han, en terracota y decorada con engobes aplicados en frío, principalmente negro y rojo.

vasija terracota china

Vasija; Majiayao Cerámica policromada

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Medidas: 34,5 x 25 cm.
Vasija de cerámica perteneciente al periodo neolítico7000-3000 a.C.. La estructura del recipiente presenta una forma ovoide, con un cuello recto, ancho y finalmente un a boca ligeramente acampanada. Cuenta además con dos asas circulares situadas bajo los hombros que delimitan la decoración de la pieza. Ornamentalmente los elementos se disponen sobre la mitad superior, estos adquieren un oatron estético creado a través de motivos geométricos aplicados en color negro sobre la superficie rojiza propia de la terracota, lo establece un contraste de color que caracteriza a la pieza de una gran expresividad.
La cultura Majiayao determina o acoge a un grupo de comunidades neolíticas situadas en la zona norte de la región del río Amarillo en Gansu y Qinghai, en China, entre el IV y el III milenio a.C. esta cultura es asi denominada porque el sitio arqueológico referente a esta pieza fue encontrado por primera vez en 1924 cerca del pueblo de Majiayao en el condado de Lintao, Gansu por el arqueólogo sueco Johan Gunnar Andersson, quien lo consideró parte de la cultura Yangshao. La cultura Majiayao es reconocida principalmente por su producción cerámica, de gran calidad, decorada con engobes formando patrones geométricos. También destacan los restos hallados de piezas de cobre y bronce.

Caballo tipo prancing Dinastía Tang.

Caballo tipo prancing

 Dinastía Tang.
Terracota
Adjunta certificado de termoluminiscencia y radiografía XRF expedida por el laboratorio SGS.
Medidas: 38 x 35 x 16 cm.
Escultura de bulto redondo realizada en terracota y decorada con engobes de tonos rojizos y crema. Representa a un caballo, al galope, con el animal captado al inicio de una cabriola. Su anatomía evidencia el movimiento y la tensión del momento, y gira el torso mirando hacia el espectador.
La dinastía Tang está considerada por los historiadores como un momento de esplendor de la civilización china, igual o incluso superior al periodo Han. Surgida tras un periodo de despotismo bajo el reinado del cruel Yang Di, fue instaurada por Li Shimin quien, movido por piedad filiar, puso a su padre en el trono antes de asumir él mismo la función de emperador y fundar la dinastía Tang. Estimulado por el contacto con India y Oriente Medio, a través de la Ruta de la Seda, el imperio Tang vivió un auge creativo en numerosos campos. El budismo, que había surgido en India en la época de Confucio, continuó floreciendo durante este periodo y fue adoptado por la familia imperial, convirtiéndose en una parte esencial de la cultura tradicional china. Asimismo, el desarrollo de la imprenta extendió la difusión de las obras escritas, dando origen a la edad dorada del arte y la literatura china.
La gran apertura cultural tendrá como resultado un arte fundamentalmente colorista, expresivo y muy ecléctico, si bien continúa siendo principalmente de uso funerario, donde el artista sigue siendo artesano anónimo. No obstante, desde este momento la cerámica de alta cocción, decorada con esmaltes, pasará a ser usada como símbolo de estatus, con tipologías como recipientes para la mesa del letrado y todo tipo de piezas de vajilla. La terracota, por otro lado, se sigue utilizando para el ajuar funerario, si bien se utilizará también desde ahora el gres, sobre todo para las tumbas de nobles y letrados. En las piezas funerarias, grupo al que pertenece esta amazona, se introduce una importante novedad: los vidriados de plomo tricolor (sancai), si bien siguen realizándose piezas decoradas con engobes. Dentro de los objetos de ajuar funerario existen seis grupos tipológicos, cada uno de ellos de una gran variedad: guardianes de tumba, con guerreros y bestias protectoras; figuras ceremoniales con sus sirvientes; animales de todo tipo, como bueyes, camellos o caballos; músicos y damas de corte; utensilios y recipientes; y finalmente modelos de arquitectura. Asimismo, se distinguen tres periodos. En el primero de ellos, entre el 581 y el 683, predominan las figuras decoradas con engobes, aún sin vidriados. El segundo periodo se desarrolla entre el 683 y el 779, y es la gran época del sancai, con predominancia de los esmaltes. Finalmente, hasta principios del siglo X continuarán realizándose piezas con esmaltes sancai, si bien de menor calidad que las del periodo anterior.