Tang Terracotta Camel Y Rider Extraíble Hacia Siglo VII a VIII siglo d. Dimensiones 24 ″ (61.0cm) de alto x 19 ″ (48.3cm) de ancho Medio Terracota Origen China
martes, 5 de marzo de 2019
Tang Terracotta Camel Y Rider Extraíble
Tang Terracotta Camel Y Rider Extraíble Hacia Siglo VII a VIII siglo d. Dimensiones 24 ″ (61.0cm) de alto x 19 ″ (48.3cm) de ancho Medio Terracota Origen China
Sátiro tocando la flauta; cultura romana, siglo I-II d.C.
Sátiro
tocando la flauta; cultura romana, siglo I-II d.C.
Mármol.
Procedencia: Colección particular, Alemania, adquirido a comienzos de la década de 1970.
Obra referenciada en “Puerta de los Dioses”. J. Bagot Arqueología, Barcelona, 2016, fig. 50 y “Lord of Truth”, J. Bagot Arqueología, Barcelona, 2017, fig. 43.
Medidas: 53 cm (altura).
La escultura muestra el torso de un hombre joven desnudo, tan sólo ataviado con la piel de una cabra. Esta se encuentra anudada en el hombro derecho, mediante las dos patas traseras, que se descuelgan, una por la zona del pecho y la otra por la espalda. El resto de esta piel, a modo de capa, medio cubre el hombro izquierdo y desciende por este mismo brazo, ocultando parte del torso. Debajo del codo puede observarse la cabeza del rumiante. Esta indumentaria, o el hecho de portar la piel, permite atribuir la escultura a la imagen de un sátiro. Constata esta teoría la pequeña y rizada cola que puede verse esculpida al final de la espalda. Debido al estudio comparativo con otras piezas (a continuación referenciadas) el ser estaría apoyado sobre una columna ataviado con una piel de cabra tocando la flauta.
Formalmente la figura destaca por una novedosa posición, presentando un “contrapposto” en el que el cuerpo recae sobre la pierna izquierda, dejando la pierna derecha flexionada levemente. El resultado, una escultura naturalista que presenta un discreto dinamismo, proporcionando cierto movimiento, el contribuye a romper la ley de la frontalidad.
A partir de un estudio de distintas tipologías de sátiros como el que se presenta, puede presentarse un parentesco muy llamativo entre la presente obra y la copia romana, de un original griego, conservado en el Museo del Louvre, perteneciente a la famosa colección Borghese; asimismo, dicha similitud puede relacionarse con otra copia del Museo Nacional Romano, en Italia. Las tres piezas presentan similitudes en cuanto a la posición de las piernas y brazos: si bien la pieza que presentamos ha perdido piernas y brazos, con mucha seguridad presentaría el brazo izquierdo con el codo flexionado hacia arriba, más pegado al cuerpo y los ropajes, y el antebrazo derecho puede pensarse que estaría estirado hacia delante o flexionado también hacia arriba, hacia su rostro. A través de las obras mencionadas, la posición de los brazos sería la descrita, pues vendría marcada por la sujeción con las manos de una flauta. La única diferencia compositiva entre las tres esculturas es la posición de la piel del animal.
Relacionados con las Ménades, los sátiros forman el «cortejo dionisíaco» que acompaña al dios Dioniso. Se les representa de varias formas; la más común (y básicamente romana) es la de una criatura mitad hombre mitad carnero, con orejas puntiagudas y cuernos en la cabeza, abundante cabellera, una nariz chata, cola de cabra y un priapismo permanente. Según algunas versiones del mito, habrían sido ellos los padres de los sátiros (de los que entonces sería Sileno su abuelo). Los tres estuvieron en el séquito de Dioniso cuando éste viajó a la India y, de hecho, Astreo era el conductor de su carro.
Mármol.
Procedencia: Colección particular, Alemania, adquirido a comienzos de la década de 1970.
Obra referenciada en “Puerta de los Dioses”. J. Bagot Arqueología, Barcelona, 2016, fig. 50 y “Lord of Truth”, J. Bagot Arqueología, Barcelona, 2017, fig. 43.
Medidas: 53 cm (altura).
La escultura muestra el torso de un hombre joven desnudo, tan sólo ataviado con la piel de una cabra. Esta se encuentra anudada en el hombro derecho, mediante las dos patas traseras, que se descuelgan, una por la zona del pecho y la otra por la espalda. El resto de esta piel, a modo de capa, medio cubre el hombro izquierdo y desciende por este mismo brazo, ocultando parte del torso. Debajo del codo puede observarse la cabeza del rumiante. Esta indumentaria, o el hecho de portar la piel, permite atribuir la escultura a la imagen de un sátiro. Constata esta teoría la pequeña y rizada cola que puede verse esculpida al final de la espalda. Debido al estudio comparativo con otras piezas (a continuación referenciadas) el ser estaría apoyado sobre una columna ataviado con una piel de cabra tocando la flauta.
Formalmente la figura destaca por una novedosa posición, presentando un “contrapposto” en el que el cuerpo recae sobre la pierna izquierda, dejando la pierna derecha flexionada levemente. El resultado, una escultura naturalista que presenta un discreto dinamismo, proporcionando cierto movimiento, el contribuye a romper la ley de la frontalidad.
A partir de un estudio de distintas tipologías de sátiros como el que se presenta, puede presentarse un parentesco muy llamativo entre la presente obra y la copia romana, de un original griego, conservado en el Museo del Louvre, perteneciente a la famosa colección Borghese; asimismo, dicha similitud puede relacionarse con otra copia del Museo Nacional Romano, en Italia. Las tres piezas presentan similitudes en cuanto a la posición de las piernas y brazos: si bien la pieza que presentamos ha perdido piernas y brazos, con mucha seguridad presentaría el brazo izquierdo con el codo flexionado hacia arriba, más pegado al cuerpo y los ropajes, y el antebrazo derecho puede pensarse que estaría estirado hacia delante o flexionado también hacia arriba, hacia su rostro. A través de las obras mencionadas, la posición de los brazos sería la descrita, pues vendría marcada por la sujeción con las manos de una flauta. La única diferencia compositiva entre las tres esculturas es la posición de la piel del animal.
Relacionados con las Ménades, los sátiros forman el «cortejo dionisíaco» que acompaña al dios Dioniso. Se les representa de varias formas; la más común (y básicamente romana) es la de una criatura mitad hombre mitad carnero, con orejas puntiagudas y cuernos en la cabeza, abundante cabellera, una nariz chata, cola de cabra y un priapismo permanente. Según algunas versiones del mito, habrían sido ellos los padres de los sátiros (de los que entonces sería Sileno su abuelo). Los tres estuvieron en el séquito de Dioniso cuando éste viajó a la India y, de hecho, Astreo era el conductor de su carro.
San Jordi SALVADOR DALÍ
SALVADOR DALÍ I DOMÈNECH (Figueras, Gerona, 1904 – 1989).
“San Jordi”, 1976.
Escultura en bronce sobre peana de hierro, ejemplar S.W. E/A
I. Pieza única.
Firmada y fechada.
Medidas: 154 x 116 x 80 cm; 230 x 130 x 105 cm (peana).
Adjunta certificado de autenticidad emitido por Kyle Capital
Corp A.V.V.
Durante más de treinta años, especialmente entre 1947 y
1985, el tema de San Jorge y el dragón fue una constante en la producción artística
de Dalí. Gran admirador de la obra de Rafael durante sus estancias en Paris y
Florencia, Dalí estudió y memorizó el San Jorge del Louvre y los magníficos
dibujos preparatorios que se conservan en la Gallería Uffizi de la capital
toscana. Esta influencia del genio italiano se puede ver claramente en su
primer “San Jorge con el dragón”, un grabado realizado en 1947 a petición del
Princt Club of Cleveland. Para la ejecución de esta, Dalí contó con la
participación de su amigo Stanley William Hayter, uno de los mejores grabadores
de la última centuria. Respecto a dicho tema, el maestro de Figueras eligió la
primera parte del combate para este grabado, cuando San Jorge hirió al dragón
con un golpe de lanza que se rompe. La escultura que presentamos continúa las
bases instauradas por dicho primer grabado, volcándola al bronce en una
composición que refleja el carácter valiente y osado del Santo. Dalí representó
una escultura tremendamente enérgica y dinámica, cuyas formas fluidas aluden al
carácter sinuoso, blando y surrealista de las obras del gran maestro catalán.
Durante sus primeros años, Dalí descubre la pintura
contemporánea durante una visita familiar a Cadaqués, donde conoce a la familia
de Ramón Pichot, artista que viajaba regularmente a París. Siguiendo los
consejos de Pichot, Dalí empieza a estudiar pintura con Juan Núñez. En 1922,
Dalí se alojó en la célebre Residencia de Estudiantes de Madrid para iniciar
estudios de Bellas Artes en la Academia de San Fernando. Sin embargo, antes de
sus exámenes finales, en 1926, fue expulsado por afirmar que no había nadie en
la misma en condiciones de examinarle. Ese mismo año Dalí viaja a París por
primera vez. Allí conoció a Picasso, y asentó algunas características formales
que se convertirían en distintivas de toda su obra desde entonces. Su lenguaje
absorbía las influencias de muchos estilos artísticos, desde el academicismo
clásico a las vanguardias más rompedoras. En aquella época, el pintor se dejó
crecer un vistoso mostacho que imitaba al de Velázquez, que se convertiría en
su sello personal el resto de su vida. En 1929, Dalí colaboró con Luis Buñuel
en la realización de “Un perro andaluz”, en el que se mostraban escenas propias
del imaginario surrealista. En agosto de ese mismo año conoció a su musa y futura
esposa Gala. Durante este periodo, Dalí celebró exposiciones regulares tanto en
Barcelona como en París, y se unió al grupo surrealista afincado en el barrio
parisino de Montparnasse. Su trabajo influyó enormemente en el rumbo del
surrealismo durante los dos años siguientes, siendo aclamado como creador del
método paranoico-crítico que, según se decía, ayudaba a acceder al
subconsciente liberando energías artísticas creadoras. El pintor desembarcó en
América en 1934, gracias al marchante Julian Levy. A raíz de su primera
exposición individual en Nueva York su proyección internacional queda
definitivamente consolidada, y desde entonces mostrará su obra y dará
conferencias por todo el mundo. La mayor parte de su producción está reunida en
el Teatro-Museo Dalí de Figueras, seguida por la colección del Salvador Dalí
Museum de St. Petersbug (Florida), el Reina Sofía de Madrid, la Salvador Dalí
Gallery de Pacific Palisades (California), el Espace Dalí de Montmartre (París)
o el Dalí Universe de Londres.
Elefante espacial SALVADOR DALÍ
SALVADOR DALÍ I DOMÈNECH (Figueras, Gerona, 1904 – 1989).
“Elefante espacial”, 1980.
Escultura en bronce patinado y cristal, ejemplar 283/350.
Técnica original a la cera perdida.
Catalogado en "Dalí, The Hard and the Soft, Sculptures
& Objects", Eccart, 2004. pg. 244.
Firmada y justificada en la montura.
Medidas: 94 x 43 x 14 cm.
En los años cuarenta Dalí empezó a incorporar en su
particular universo iconográfico el elefante con largas patas de insecto.
Jugaba así con los atributos dados por el folclore oriental al animal (firmeza,
pureza, sabiduría y longevidad como emblema de inmortalidad), sumándole una
larga trompa y estilizadas extremidades que lo asocian a la levitación y a la
quiebra potencial de la firmeza. En esta escultura, se recupera la figura del
elefante portando un obelisco tal como aparecía en su pintura "La
tentación de San Antonio". El obelisco funciona aquí como símbolo del
progreso tecnológico confrontado con la sabiduría primigenia. En el elefante
espacial se expresan las paradojas dalinianas que tanto gustaron a este genio,
buscando polaridades entre la idea de ingravidez y la robustez del animal, lo
etéreo y lo eterno. Dalí se inspiró en la novela "El sueño de
Polífilo" (s.XV), que a su vez usó Bernini en su "Elefante de
Minerva" (1667), recogiendo y actualizando con ella una larga tradición.
Durante sus primeros años, Dalí descubre la pintura
contemporánea durante una visita familiar a Cadaqués, donde conoce a la familia
de Ramón Pichot, artista que viajaba regularmente a París. Siguiendo los
consejos de Pichot, Dalí empieza a estudiar pintura con Juan Núñez. En 1922,
Dalí se alojó en la célebre Residencia de Estudiantes de Madrid para iniciar
estudios de Bellas Artes en la Academia de San Fernando. Sin embargo, antes de
sus exámenes finales, en 1926, fue expulsado por afirmar que no había nadie en
la misma en condiciones de examinarle. Ese mismo año Dalí viaja a París por
primera vez. Allí conoció a Picasso, y asentó algunas características formales que
se convertirían en distintivas de toda su obra desde entonces. Durante este
periodo, Dalí celebró exposiciones regulares tanto en Barcelona como en París,
y se unió al grupo surrealista afincado en el barrio parisino de Montparnasse.
El pintor desembarcó en América en 1934, gracias al marchante Julian Levy. A
raíz de su primera exposición individual en Nueva York su proyección
internacional queda definitivamente consolidada, y desde entonces mostrará su
obra y dará conferencias por todo el mundo. La mayor parte de su producción
está reunida en el Teatro-Museo Dalí de Figueras, seguida por la colección del
Salvador Dalí Museum de St. Petersbug (Florida), el Reina Sofía de Madrid, la
Salvador Dalí Gallery de Pacific Palisades (California), el Espace Dalí de Montmartre
(París) o el Dalí Universe de Londres
Vaso votivo Dinastía Han
Dinastía Han, 206 a.C - III d.C.
Cerámica.
Adjunta certificado de termoluminiscencia de Oxford.
Medidas: 23,5 x 12 cm.
Vaso votivo que adopta la forma de un búho de líneas sintéticas y esquematizadas, en cierto modo tendente a la abstracción. Lo que demuestra el interés del autor en captación simbólica del mismo. La dinastía Han gobernó China entre el 206 a.C. y el 220 d.C., más de cuatro siglos durante los cuales se consolidan las estructuras políticas, sociales y económicas de China, lo que llevará al país a la etapa más gloriosa de su historia. Respecto al arte de este momento, sigue siendo eminentemente funerario, si bien refleja el altísimo nivel artístico que se alcanzará tanto en las capitales como en provincias. Estos objetos conservados nos aportan información sobre la vida cotidiana y las costumbres de la época, dado que el arte se vuelve mucho más mundano que los bronces de las épocas Zhou y Shang. También se cambian las estructuras de las tumbas: las Shang eran verticales, mientras que las Han se construirán a modo de palacios subterráneos. Se decoraban con relieves estampados con escenas de la vida del difunto, y se incorpora un nuevo material como soporte artístico, la laca. Sin embargo, lo más famoso actualmente es la producción cerámica Han, en terracota y decorada con engobes aplicados en frío, principalmente negro y rojo.
Cerámica.
Adjunta certificado de termoluminiscencia de Oxford.
Medidas: 23,5 x 12 cm.
Vaso votivo que adopta la forma de un búho de líneas sintéticas y esquematizadas, en cierto modo tendente a la abstracción. Lo que demuestra el interés del autor en captación simbólica del mismo. La dinastía Han gobernó China entre el 206 a.C. y el 220 d.C., más de cuatro siglos durante los cuales se consolidan las estructuras políticas, sociales y económicas de China, lo que llevará al país a la etapa más gloriosa de su historia. Respecto al arte de este momento, sigue siendo eminentemente funerario, si bien refleja el altísimo nivel artístico que se alcanzará tanto en las capitales como en provincias. Estos objetos conservados nos aportan información sobre la vida cotidiana y las costumbres de la época, dado que el arte se vuelve mucho más mundano que los bronces de las épocas Zhou y Shang. También se cambian las estructuras de las tumbas: las Shang eran verticales, mientras que las Han se construirán a modo de palacios subterráneos. Se decoraban con relieves estampados con escenas de la vida del difunto, y se incorpora un nuevo material como soporte artístico, la laca. Sin embargo, lo más famoso actualmente es la producción cerámica Han, en terracota y decorada con engobes aplicados en frío, principalmente negro y rojo.
Vasija; Majiayao Cerámica policromada
.
Medidas: 34,5 x 25 cm.
Vasija de cerámica perteneciente al periodo neolítico7000-3000 a.C.. La estructura del recipiente presenta una forma ovoide, con un cuello recto, ancho y finalmente un a boca ligeramente acampanada. Cuenta además con dos asas circulares situadas bajo los hombros que delimitan la decoración de la pieza. Ornamentalmente los elementos se disponen sobre la mitad superior, estos adquieren un oatron estético creado a través de motivos geométricos aplicados en color negro sobre la superficie rojiza propia de la terracota, lo establece un contraste de color que caracteriza a la pieza de una gran expresividad.
La cultura Majiayao determina o acoge a un grupo de comunidades neolíticas situadas en la zona norte de la región del río Amarillo en Gansu y Qinghai, en China, entre el IV y el III milenio a.C. esta cultura es asi denominada porque el sitio arqueológico referente a esta pieza fue encontrado por primera vez en 1924 cerca del pueblo de Majiayao en el condado de Lintao, Gansu por el arqueólogo sueco Johan Gunnar Andersson, quien lo consideró parte de la cultura Yangshao. La cultura Majiayao es reconocida principalmente por su producción cerámica, de gran calidad, decorada con engobes formando patrones geométricos. También destacan los restos hallados de piezas de cobre y bronce.
Medidas: 34,5 x 25 cm.
Vasija de cerámica perteneciente al periodo neolítico7000-3000 a.C.. La estructura del recipiente presenta una forma ovoide, con un cuello recto, ancho y finalmente un a boca ligeramente acampanada. Cuenta además con dos asas circulares situadas bajo los hombros que delimitan la decoración de la pieza. Ornamentalmente los elementos se disponen sobre la mitad superior, estos adquieren un oatron estético creado a través de motivos geométricos aplicados en color negro sobre la superficie rojiza propia de la terracota, lo establece un contraste de color que caracteriza a la pieza de una gran expresividad.
La cultura Majiayao determina o acoge a un grupo de comunidades neolíticas situadas en la zona norte de la región del río Amarillo en Gansu y Qinghai, en China, entre el IV y el III milenio a.C. esta cultura es asi denominada porque el sitio arqueológico referente a esta pieza fue encontrado por primera vez en 1924 cerca del pueblo de Majiayao en el condado de Lintao, Gansu por el arqueólogo sueco Johan Gunnar Andersson, quien lo consideró parte de la cultura Yangshao. La cultura Majiayao es reconocida principalmente por su producción cerámica, de gran calidad, decorada con engobes formando patrones geométricos. También destacan los restos hallados de piezas de cobre y bronce.
Caballo tipo prancing Dinastía Tang.
Caballo
tipo prancing
Dinastía Tang.
Terracota
Adjunta certificado de termoluminiscencia y radiografía XRF expedida por el laboratorio SGS.
Medidas: 38 x 35 x 16 cm.
Escultura de bulto redondo realizada en terracota y decorada con engobes de tonos rojizos y crema. Representa a un caballo, al galope, con el animal captado al inicio de una cabriola. Su anatomía evidencia el movimiento y la tensión del momento, y gira el torso mirando hacia el espectador.
La dinastía Tang está considerada por los historiadores como un momento de esplendor de la civilización china, igual o incluso superior al periodo Han. Surgida tras un periodo de despotismo bajo el reinado del cruel Yang Di, fue instaurada por Li Shimin quien, movido por piedad filiar, puso a su padre en el trono antes de asumir él mismo la función de emperador y fundar la dinastía Tang. Estimulado por el contacto con India y Oriente Medio, a través de la Ruta de la Seda, el imperio Tang vivió un auge creativo en numerosos campos. El budismo, que había surgido en India en la época de Confucio, continuó floreciendo durante este periodo y fue adoptado por la familia imperial, convirtiéndose en una parte esencial de la cultura tradicional china. Asimismo, el desarrollo de la imprenta extendió la difusión de las obras escritas, dando origen a la edad dorada del arte y la literatura china.
La gran apertura cultural tendrá como resultado un arte fundamentalmente colorista, expresivo y muy ecléctico, si bien continúa siendo principalmente de uso funerario, donde el artista sigue siendo artesano anónimo. No obstante, desde este momento la cerámica de alta cocción, decorada con esmaltes, pasará a ser usada como símbolo de estatus, con tipologías como recipientes para la mesa del letrado y todo tipo de piezas de vajilla. La terracota, por otro lado, se sigue utilizando para el ajuar funerario, si bien se utilizará también desde ahora el gres, sobre todo para las tumbas de nobles y letrados. En las piezas funerarias, grupo al que pertenece esta amazona, se introduce una importante novedad: los vidriados de plomo tricolor (sancai), si bien siguen realizándose piezas decoradas con engobes. Dentro de los objetos de ajuar funerario existen seis grupos tipológicos, cada uno de ellos de una gran variedad: guardianes de tumba, con guerreros y bestias protectoras; figuras ceremoniales con sus sirvientes; animales de todo tipo, como bueyes, camellos o caballos; músicos y damas de corte; utensilios y recipientes; y finalmente modelos de arquitectura. Asimismo, se distinguen tres periodos. En el primero de ellos, entre el 581 y el 683, predominan las figuras decoradas con engobes, aún sin vidriados. El segundo periodo se desarrolla entre el 683 y el 779, y es la gran época del sancai, con predominancia de los esmaltes. Finalmente, hasta principios del siglo X continuarán realizándose piezas con esmaltes sancai, si bien de menor calidad que las del periodo anterior.
Terracota
Adjunta certificado de termoluminiscencia y radiografía XRF expedida por el laboratorio SGS.
Medidas: 38 x 35 x 16 cm.
Escultura de bulto redondo realizada en terracota y decorada con engobes de tonos rojizos y crema. Representa a un caballo, al galope, con el animal captado al inicio de una cabriola. Su anatomía evidencia el movimiento y la tensión del momento, y gira el torso mirando hacia el espectador.
La dinastía Tang está considerada por los historiadores como un momento de esplendor de la civilización china, igual o incluso superior al periodo Han. Surgida tras un periodo de despotismo bajo el reinado del cruel Yang Di, fue instaurada por Li Shimin quien, movido por piedad filiar, puso a su padre en el trono antes de asumir él mismo la función de emperador y fundar la dinastía Tang. Estimulado por el contacto con India y Oriente Medio, a través de la Ruta de la Seda, el imperio Tang vivió un auge creativo en numerosos campos. El budismo, que había surgido en India en la época de Confucio, continuó floreciendo durante este periodo y fue adoptado por la familia imperial, convirtiéndose en una parte esencial de la cultura tradicional china. Asimismo, el desarrollo de la imprenta extendió la difusión de las obras escritas, dando origen a la edad dorada del arte y la literatura china.
La gran apertura cultural tendrá como resultado un arte fundamentalmente colorista, expresivo y muy ecléctico, si bien continúa siendo principalmente de uso funerario, donde el artista sigue siendo artesano anónimo. No obstante, desde este momento la cerámica de alta cocción, decorada con esmaltes, pasará a ser usada como símbolo de estatus, con tipologías como recipientes para la mesa del letrado y todo tipo de piezas de vajilla. La terracota, por otro lado, se sigue utilizando para el ajuar funerario, si bien se utilizará también desde ahora el gres, sobre todo para las tumbas de nobles y letrados. En las piezas funerarias, grupo al que pertenece esta amazona, se introduce una importante novedad: los vidriados de plomo tricolor (sancai), si bien siguen realizándose piezas decoradas con engobes. Dentro de los objetos de ajuar funerario existen seis grupos tipológicos, cada uno de ellos de una gran variedad: guardianes de tumba, con guerreros y bestias protectoras; figuras ceremoniales con sus sirvientes; animales de todo tipo, como bueyes, camellos o caballos; músicos y damas de corte; utensilios y recipientes; y finalmente modelos de arquitectura. Asimismo, se distinguen tres periodos. En el primero de ellos, entre el 581 y el 683, predominan las figuras decoradas con engobes, aún sin vidriados. El segundo periodo se desarrolla entre el 683 y el 779, y es la gran época del sancai, con predominancia de los esmaltes. Finalmente, hasta principios del siglo X continuarán realizándose piezas con esmaltes sancai, si bien de menor calidad que las del periodo anterior.
Venus
Escultura de mármol romano que representa a Venus Hacia 100 dC a 200 dC Dimensiones 14.75 ″ (37.5cm) de alto
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